杜老師畫室的部落格

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開設畫室多年，最近卻開始回想自己在求學過程中的畫室經驗。高中唸的是美工科，在職校美術教育的課程中開始接觸以基礎或媒材等類別，將繪畫分科為素描、水彩、油畫、版畫課，如此的分科學習對我來說也開始某種手工藝式的技術訓練，然而在當時學校對「怎麼畫」的作業訓練似乎比「畫什麼」的思考體會來得重視，不過因為班導師許清景老師的引導下，除了職校式技藝訓練外，他也帶領了我認識了西方與臺灣本土的藝術家，尤其是日治時期的臺灣藝術家，有些畫家是班導大學時期的老師，經由他的介紹，我在課堂上認識廖繼春、楊三郎、李石樵等等本土畫家的創作，比起只能在畫冊上欣賞西方繪畫大師的印刷品，班導會帶著我們去忠孝東路上的畫廊直接看到本土畫家的作品，也由於老師的介紹與引導，我開始喜愛上述幾位臺灣本土畫家，尤其是李石樵先生，除了觀摩欣賞外，也嘗試著依循摹仿畫家的作品與創作方式。
因緣際會下得知同班同學在李石樵畫室學畫，於是央求引薦去李老師畫室學畫，一來得以親炙大師風範，二來希望素描精進，不過說實在的，前一個理由才是讓我願意每星期一次在下

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在上兩篇『如何自行在家畫畫1-決心篇』（https://tw.myblog.yahoo.com/tu-artstudio/article?mid=79&prev=93&next=50

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之前曾簡單介紹過「台北縣市哪些地方可以接觸與學習藝術創作」（ https://tw.myblog.yahoo.com/tu-artstudio/article?mid=8&prev=10&next=6），剛好有一些單位我也曾任教過，所以將稍詳介紹我任教的感想與各位分享。

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面對空白畫紙或畫布，有人腦袋或感覺也空白著，所以初次執筆時我建議能先有一個感受或景象是您想把它畫出的，或者看著一件物品描繪它，有人說創作是無法教授，我的體會是指每個人的獨特與唯一性是無法經由教育或學習獲得，它只是等待著被發現，因為它早存在自身中。但是，我卻相信可以經由實踐與勞動中發現自我，所謂實踐與勞動就是創作，它包含駕馭操作的邏輯與技術，「邏輯與技術」它們不是限制感性與獨特的牢籠，以創作而言反而是一個美感的出口。

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很多年沒有招收報考藝術科系的畫室考生，一方面因為畫室所教學的對象逐漸以社會人士進修與興趣休閒居多，另方面也因為對此種針對考試形制的繪畫教學，必須為了符合以「基礎」之名所要求手繪的訓練抱有些許的思慮。除了各校的單獨招生與甄試方式外，用繪畫形式的術科考試甄選後，大學究竟是要以何種藝術教育的概念來延續及培養如此方式所招收的學生？
如此的手繪能力與技術所培訓出的學生，似乎符合就讀於目前只剩幾間還有以「美術」為科系名稱的大學，但在更多是以新媒體或文創設計為名的科系裡，俱有手繪能力的學生也是招生標準的部份考量。那麼，我對於作為考試的手繪形式有何疑慮？直到以前兒童班的學生冠維來找我幫他加強報考大學術科的繪畫項目，我才發現我疑慮的不是手繪形式，我疑慮與反對的是因為把手繪作為考試唯一媒材與技法所衍生出對應的繪畫模式與選取標準。
七、八年未見，看到已經是高中生的冠維，拿著近日為準備術科考試所繪製的素描水彩作品希望我指導改進時，反而使我回想到冠維還是小學生一、二年級時，在我畫室所繪製的圖畫。冠維是我第一位聽障學生（陸續教導過三位聽障人士），初期上課除了教學時的溝通方式較為特別外，冠維在創作時的態度與作品也使我印象深刻，聽覺的佚失並不會影響繪畫，但我會特別注意冠維是怎樣接收外界的感受與訊息並轉化成繪畫表達，我不能說某一種感官的佚失一定會有特別發展的才能，但冠維的繪畫卻常常使我有驚奇的感受，他像是一位俱有想像力的小孩肆意的在紙上圖繪出他所見之後所轉化出的圖像與色彩，不管他所見是來自生活周遭、大自然、電視電影、圖畫書等等外界視覺環境，待我訂定主題後，他總有一種想像式的手繪能力完整繪製出屬於他的作品，童趣的形式之外也表達出比同年齡小朋友更為早熟與細微感受的圖像作品。
現在看著他在畫室中畫著炭筆靜物素描或是符合術考的圖畫，我不禁疑惑並尋找著兒童時期的冠維與他的創作，或許在未見的這幾年之間他忙著接收與發展更多來自外界的知識與興趣，也或者現今因為應付術考而暫時隱蔽著他過往的想像力與視覺感受力，我只能自揣在未來教育體制與創作中他也將發現更多的形式與媒材，但不管如何，在他完成術考再次離開畫室之前我要告訴冠維，早期他讓我感動的兒時作品所給出的視覺初衷，然後再說一句：「冠維再見！」

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很多人想學畫或畫畫，但是不一定要找畫室或其他才藝教室學習，因為找一個固定地方或老師學畫，必須將生活作息時間調整或特別騰出一段時間配合上課外，不管您是家管或是上班族每到上課時間前還必須調整情緒以進入藝術的學習與創作的狀態，更希望老天體恤求藝苦心，不要下雨或其他壞天氣影響進修心志。
依據十多年畫室教學經驗，通常有學畫興趣或心志的學生常常無法抵抗現實生活上對求藝心無情殘酷的考驗，會這樣說是因為說實在的藝術與創作「這回事」通常是在生活溫飽之後，或是對現實社會與生命體驗有強烈的需求到必需藉由各類藝術創作形式來反應，但是，通常會到畫室學畫的人都有現實生活上物質的溫飽顧慮，也都有希望在個人內在裡尋求精神上的寄託與抒發，所以在生活與創作的過程中如何平衡的完美，端看機遇與決心作為的支撐點。
另外的原因當然就是畫室是否提供您需要的學習環境與創作感受！這個因素重要到影響上一段文字中提到學畫的心志是被阻礙或是能持續興趣動力，找對學畫的地方也很重要，然而什麼是對的地方，無法一言以敝之，另闢文再談！回到主題上，如果無法調整作息時間與轉換情緒來將就畫室，或者一直找不到好的或感覺對的畫畫學習地方，那麼就嘗試在家學習或畫畫吧！
首先如果您是一位需要氣氛與注重環境的人那麼請您先在住家中找一個地方（安靜或能專注，如文昌位），放不放音樂看個人喜好（有些人要把音樂或電視機開很大聲才能進入狀況），一張紙（大小適中，紙質可以選擇素描專用），一隻2B濃淡硬軟上下程度的鉛筆，找一個您的日用品或是一件有紀念性的東西，而您想把它畫出的想法與衝動，不須擔心外人給您的評價與批評，因為是在你熟悉的環境或是只有您一人在家，把畫作盡量完成，並把創作過程與結果的感覺記住，因為第一幅作品是最珍貴完美的！

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這些素描呈現的是學員黃正由在繪畫創作上長期關心而有興趣的繪畫主題，我想一定有人看了會說這是漫畫不是繪畫，但是，我想說的卻是這不只是繪畫，而且是有關於人體的素描創作記得正由剛來畫室畫畫時，我以他是初學的階段，而希望他從靜物或是石膏像為對象來進行繪畫練習。但是，經過幾次上課之後，黃正由逐漸向我表示他對動漫及電玩遊戲有很高的興趣，並且在家中嘗試著以動漫人物為模式，創作一些作品，我請他可以將家中所畫的作品帶來給我看，之後我逐漸改變對他的上課方式，並且同意讓他在上課中繼續繪製動漫作品，如此改變的原因是因為我從他的動漫式的素描作品中發現繪畫的共通性，也就是素描繪畫裡應該呈現的線條、明暗、構圖或作品整體氛圍也都可以在他的創作中被關注。
動漫中最重要的人物角色與人物特色，都必須在造型上，或是動作，甚至配件中被凸顯出來，所以，在繪製創作過程中所考量到的細節與整體性，也都比靜物或石膏像素描來的複雜，但是，黃正由的動漫創作上我認為最為關鍵且重要的是，他的動漫創作的人物造型與畫面構成，是在一個他自己所書寫的小說故事情節中所創造繪製出來的，這也是不同於一般坊間的動漫教學，或才藝班附屬的漫畫學習課程中大都只有臨摹式與技巧式的傳授，而忽略人物的創生必須與故事一起發展的學習。
若以繪畫與素描的創作美學看待黃正由的動漫人物，會發現動漫風格的人物都是身材變形、比例特殊，而且，姿態怪異、或動作超現實，這是因為卡通動畫或漫畫電玩遊戲有它特有歷史發展與風格上所產生的美學脈絡，但是，這並不影響我們用所謂藝術的觀點或態度去欣賞動漫作品，美術史上有許多畫家也創造很多類似漫畫風格的傳世作品，如米開郎基羅所繪製的人物造型或動作在解剖學上無法成立，而現實中不可能存在的姿態動作；另有波許（Hieronymous Bosch）所繪製的許多怪異造型與超現實情境的祭壇畫，這些畫家不因他們的怪異被遺忘，反而因為堅持自我的風格而留下他們的作品，而這正是黃正由所該學習與效法的對象與範例。
因此，我同意他持續在畫室中為他自己的小說繪製屬於動漫風格的素描插圖，因為能為自己的小說繪製插圖的作家不多，而且畫室中的學生所學能為所用，應該是一種完美的學習狀態。

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雯如在畫室習畫過程中，是少數有使用過各種不同的繪畫媒材經驗的學員，從鉛筆和炭筆素描、水彩、粉彩，一路到現今的油畫創作，當然，她的繪畫學習與創作之時程也較畫室的其它學員來的久，這些年雯如持續以油畫為主要創作媒材，而繪畫風格從初學繪畫時的寫實風格的訓練延續下來，在處理畫面時頗注重物體外形上細節的描繪，近期的創作中我常給予她一些建議，尤其希望她在寫實外觀的畫法上多一些畫意，也就是在創作筆法的使用上能放輕鬆，而能大膽地使用筆觸與顏色去表達主觀的感情。
此件油畫創作是學員雯如較為大幅(約15F)的作品，而且，畫面中的靜物數量與位置擺設也比之前她畫過的靜物畫複雜，所以，以每個禮拜3小時的課堂約花費她半年的創作時間，這幅油畫創作也是建議她把過程記錄下來的第一幅作品，當每次來上課作畫之前，用相機把上次創作的狀態先照相作成影像記錄，除了能經由過程的動態記錄留作紀念之外，也能觀察自我創作上思考及繪畫心情的轉變，對創作者來說，這種記錄與觀察的做法，讓創作的過程與創作結果變得同等重要，也能幫助學員了解作品的完成是來自於不斷的改變與選擇。
這幅油畫靜物呈現了靜物的物質性，也就是物體的質感與體積感，不管是水果或是玻璃罐、陶瓷杯還是桌布，都在雯如仔細的描寫下，堅實且固執的存在，如此體感的存在甚至犧牲了稍些的質感，而使用油彩和筆觸所堆積出的畫面，像是ㄧ幅雕刻出的畫空間，並且，空間也因為靜物們的存在而展開。桌巾從左上往右下鋪掛，把畫面斜分為兩部份，散佈各處的靜物把畫面下部的桌面空間穩穩的安定住，使得翻轉摺疊的條紋桌布不至於造成混亂，反而使畫面產生一種動態的視覺性，另外造成視覺動態的效果來自於畫面視點的變化我們可以發現桌面所承載的瓷碗、馬克杯和放置蘋果的玻璃罐，都因為視點透視的不一致，使得畫面中以桌子所構成的前後不大的距離，產生一種特殊的透視效果，而最為神奇的是這些動態不定的視覺感受，卻因為前述「都在雯如仔細的描寫下，堅實且固執的存在」的物體感中被平衡著，並且，不至於造成失衡，反而產生有趣的觀畫感受。
以下PO一些雯如在此幅靜物油畫創作之前的其他靜物油畫作品

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講到粉彩我們就想到印象派畫家竇佳（Edgar Degas 1834-1917）的粉彩作品，從它的粉彩畫中間我們感受到粉彩特有的材質魅力，也就是粉狀筆觸中透出一種溫潤的氣質與溫度，不管是線條筆觸或是手抹暈染，印象派主義強調的對外光的感受，在竇佳的粉彩顆粒中散發開來。但是，在文藝復興之前，就有畫家工匠應用粉狀的材質來作素描與構圖打底，一直到近代粉彩才被當作繪畫的主要表現材料，但是，這並不表示以前就沒有以粉彩創作的作品，或覺得粉彩是不好的畫材，早期粉彩不能成為主要創作的用材，是因為油畫一直是繪畫媒材的主流。
除了油彩的繪畫技法發展成熟，油彩材料的製作技術也在文藝復興時就已經相當的進步，也因為油畫的保存與繪畫形式的表現能夠長久廣遠，所以也壓縮其他媒材的發展與延續。不可諱言，粉彩作品保存不易，更何況早期藝術家或收藏贊助者希望能作品永久流傳萬世，所以粉彩就被排除在藝術史與藝術家作品之外。
現代藝術的媒材觀念已經捨棄永久留存或留芳萬世的考量，進而尋找或發現能讓畫家的自我與媒材俱現出一種特殊藝術語言的形式，所以當代藝術在開發與使用各種媒材的創作上也與日俱進，於是，使用粉彩創作的畫家和學習者也漸漸多起來。而選擇媒材的主要條件就是，此媒材是否適合你？媒材特質是否吸引你？有些學習者畫了很久的畫，但是當他第一次手碰陶土後才發現土的特質才是他所要應用的創作媒材。所以給初學者一個建議是：多接觸不同媒材，除了能廣泛接觸與融合媒材的特性來豐富創作外，也能藉由多方面的媒材創作經驗找到適合自己的創作媒材。
這張粉彩的示範作品----- 「 楓葉 」，是應畫室學生的要求所完成的一張粉彩畫，因為畫室並沒有特別開設粉彩班，而在畫室上課也沒有規定哪節課一定要畫素描或水彩，所以畫室同時間有人在畫素描，也有人畫油、水彩，剛好有學生想學習與了解粉彩，所以找了一個時間於課堂上示範。在畫室中選擇將楓葉搭配藍色的長頸瓶，做為此次描繪的主角，由於楓葉的顏色，選擇灰紅色調的四開粉彩紙作畫，所以，整張畫以紅色調為主，輔以橘黃、紅紫、暗赭等色。
起底時，先用軟性粉彩上色，較軟的粉彩適用在較大面積與筆觸氣氛的營造，而接近完成或需要細部描繪時，再用硬質的粉彩勾繪細節。主角楓葉由長頸窄口瓶支撐在畫面上方，細枝長延成放射狀，而枝葉的生長姿態與楓葉特色也由瓶口延伸到葉脈尖端，楓葉五瓣星狀的葉尖所佈局組成的空間感，像秋天夜空的星星盤據在畫面上方，星點狀的分布，將畫面的空間撐開。畫面下部的空間是由圓形桌的弧形所劃過，並藉瓶身、瓶底和一枝、一葉在桌面映成倒影，而藍色的長瓶在畫面左邊連接上、下兩個空間，並且也平衡了右方下墜的動態。

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常常遇到學生詢問，繪畫的初學者需不需要從素描開始學習，來打好繪畫的基礎，我的回答是：如果您的創作風格與藝術喜好是以寫實、學院或古典等派別為宗，那麼是需要的，但是，接著我也會給另一個建議是：素描的練習也可在其他的媒材繪畫創作中獲得。
在西方繪畫史中，素描是涵蓋在繪畫創作的流程之中的，也就是在創作一幅作品之前的前置作業。素描除了界定出構圖、形體外觀，也將作品用明暗氣氛預先演練一次，隨後再依次添加色調與修改，因此，我們是否就可以宣稱素描是繪畫的基礎呢？就如文藝復興的雕塑家在創作人體雕刻中，也常見到雕刻前先做人體的繪畫演練一樣，但是，現在我們卻從希臘、羅馬或文藝復興的石膏複製品雕像上練習素描、這其中關涉的創作或繪畫的素描教育方式是否有需要做觀念性的調整呢？！
台灣的藝術教育從日治時期開始，就形成以學院派的寫實主義的傳授方式，這樣的藝術教育方式常以石膏像作為素描練習，但是，這一練習就持續至今。不管是美術學校或是興趣學習，都將素描獨立成一門重要的藝術創作的基礎課程，也因此，繪畫創作的過程被分解為所謂基礎、進階或高階等階段，這一種教育的規範分級習性也使得素描被分為較為高難及較低易差別的素描練習；如人體素描比石膏像素描高級或困難，而石膏像素描又比靜物素描高等。其實，在繪畫創作中，一顆蘋果與一尊人體是同等的美麗與哀愁的。
但是，不可否認，靜態不動的東西，如靜物或石膏像是適合長時間觀察的，也就是畫家或初學者有充足的時間與靜物培養感覺，或在創作過程中盡情畫畫或修改，不必擔心變動形體，並延遲流逝的生命。但是，靜態不動並不表示沒有生命，尤其在畫石膏像時，常常有人把它當沒有生命之物來感受而畫之，所以畫出立體感卻失去生命，畫出石膏質感卻沒有個性。
示範作品是炭筆素描，名為阿里阿斯Arindne石膏像，原作為大理石雕刻的希臘雕像，具有女性化特質的美貌青年頭像。示範素描時是為了一些美術系與美工科在校學生所畫，約花費三個多小時，除了傳達炭筆繪畫技巧外，也要求學生在石膏像素描練習外，也畫人像速寫或素描，兩者能相輔相成。因為，萬物皆有其生命，只是呈現的方式不同，而畫家與萬物的關係就是以人的有限能力與其對話，所謂「人為萬物的尺度」（Man is the Measure of All. Things），這句希臘哲言應放在人與萬物感通的交流中解釋，就像靜物的英文為「Still life」，不只是做靜止不動的萬物看待之，也是有生命的萬物。未來將闢文談論靜物畫。

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